¿Qué diferencia hay entre arte moderno y modernismo?

Cabe aclarar que no es lo mismo Arte Moderno que Modernismo. El arte moderno es un término que engloba a diversos movimientos que se oponen al denominado arte académico (representa la experimentación y el arte académico representa la tradición). Mientras que el modernismo es un movimiento filosófico y artístico que refleja un deseo por la creación de nuevas formas del arte, la filosofía y la organización social del mundo industrial emergente.

El modernismo surge a finales del siglo XIX y principios del XX como un deseo de crear nuevas formas de arte a través del uso de la tecnología para permitir la producción en masa y la industrialización en la que ya estaba inmerso el siglo, así como plasmar las ideas políticas emergentes en el período de entre guerras. Los artistas intentaron apartarse de las formas de arte tradicionales, que consideraron anticuadas u obsoletas. Rechazaron las ideas del Realismo en tanto no buscaron explicar, ni retratar la época, sino que la búsqueda es hacer las propias normas. Bajo la consigna «el futuro ya ha comenzado» la idea de progreso busca su propia definición desde el presente.

Pero no todos se subieron al carro de la industrialización, las ideas de William Morris (1834 – 1896) y del movimiento inglés Arts & Crafts de artes decorativas, liderado por él a finales del siglo XIX, son un ejemplo de ello aunque luego llegaron a tener mucha influencia para el modernismo y supuso una posibilidad de reacción a la industrialización y las formas de vida modernas que habían sustituido al trabajo manual por el trabajo mecanizado. Tras ello había una utopía social ejemplificada en el deseo manifiesto de volver atrás para “regenerar” al hombre mediante la artesanía. Buscaba respetar, cuidar los materiales y la forma en que se utilizaban.

La obra de Morris estuvo estrechamente vinculada a la Hermandad Prerrafaelita, que fue una asociación londinense (1848) formada por pintores, poetas y críticos que rechazaron el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX que, según su punto de vista, no hacía sino perpetuar el manierismo (imitación de de las formas difíciles y poco naturales utilizada por los grandes maestros) que surge cuando los elementos principales del Renacimiento empiezan a entrar en crisis. El manierismo significó un progresivo abandono de la proporción de las figuras, de la perspectiva espacial, del uso de líneas claras y definidas y de las expresiones mesuradas y dulces de los personajes renacentistas. El concepto de maniera significa un saber hacer, y además sin esforzarse demasiado por hacerlo. Una sofisticación, por así decirlo, pues se trata de un arte exclusivo de la corte. La Hermandad Prerrafaelita promulgó el regreso al detalle minucioso, luminoso y colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael —de ahí el nombre del grupo—, a los que consideraban más auténticos. Como grupo constituido la Hermandad duró poco tiempo, pero su influencia llegó hasta principios del siglo XX.

Morris abrazó la idea del modernismo que propuso democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población, sólo que sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva, producto de la revolución industrial, que impedirían el desarrollo del buen hacer artesanal.

Wiliam Morris y el Arts and Crafts

Los artistas de Arts and Crafts otorgaron un nuevo valor a las artes aplicadas e insistieron en que éstas se convirtiesen en una parte integral de cualquier diseño más grande. Ya no era suficiente confiar en la casualidad o capricho personal para la elección de los sillones en una sala de estar o el tapiz en una iglesia. A mi modo de ver esto cae en contradicción:

Al rechazar, en las artes decorativas y la arquitectura, la producción industrial y defender la vuelta a la artesanía medieval (influenciado por la Hermandad Prerrafaelita) se aparta del modernismo en su búsqueda de nuevas formas de arte. Al quitar la elección personal para la decoración se elevan a sí mismos como «autoridad» de diseño en Londres, recordemos que el modernismo busca anular a la «autoridad» académica y de toda índole en el arte. Otra contradicción es que la obra de William Morris se recrea en el arte medieval y victoriano, opuesto a la consigna «el futuro ya ha comenzado»

A mi manera de ver los hechos, Morris y el Modernismo tan solo coinciden en que ambos comparten las ideas de que el arte no debía ser exclusivo de la burguesía y debían producirse objetos artesanales destinados al consumo de las mayorías, pero Arts & Crafts tampoco pudo cumplir este principio, ya que no le fue posible crear objetos masivos, a bajo costo, elaborados con la artesanía tradicional. Sus creaciones terminaron en manos de los ricos de la época.

Papel pintado Trellis, de William Morris (1862).

El modernismo utilizó la repetición , la incorporación , la reescritura, la recapitulación , la revisión y la parodia. Experimentó con la forma, procesos y materiales. Algunos artistas del modernismo:

La recompensa de la bailarina (ilustración para la Salomé de Oscar Wilde), de Aubrey Beardsley, 1894.
Cartel publicitario para Le chat noir, de Théophile Alexandre Steinlen, 1896.
Portada de Ver Sacrum, de Koloman Moser, 1899.

Friso de Beethoven, de Klimt

Weibliches Liebespaar, de Egon Schiele
El lagarto del Parque Güell, que se ha convertido en un emblema de la obra de Gaudí

¿Y por qué hablar del fin de siècle y la belle époque dentro del modernismo?

Porque el modernismo se desarrolla durante el período denominado fin de siècle (fin de siglo, relacionado con la expresión “cambio de siglo”) belle époque que recibió diversas denominaciones: Art Nouveau, en Bélgica, Francia, España e Hispanoamérica. Jugendstil, en Alemania y países nórdicos. Sezession, en Austria. Modern Style, en los países anglosajones. Nieuwe Kunst, en los Países Bajos y Liberty o Floreale en Italia.

Ahora bien, Fin de siècle se refiere generalmente a los últimos años del siglo XIX y se asocia a veces a la decadencia, al final de dicho siglo, tras La Belle Époque. El origen del término puede estar relacionado con las tertulias literarias de fin de siglo realizadas en París y Bruselas (por artistas como Stéphane Mallarmé) También se relaciona con los movimientos del simbolismo y el decadentismo, y con algunas obras de arte (Salomé de Oscar Wilde) Todo estos factores conectan la idea de fin de siècle con un movimiento estético.

Una de las mejores expresiones del Decadentismo la refleja el verso de Verlaine en su poema Languidez: «Yo soy el imperio final de la decadencia…» Verlaine estuvo durante algún tiempo a la cabeza de este movimiento, después de la publicación de Los poetas malditos  en1884.​

En un sentido más general, la expresión fin de siècle se asocia a los cambios radicales y desconocidos que se enfrenta la humanidad al estar cerca del fin de un siglo. Un ejemplo más reciente se puede hallar en el Problema del año 2000. También conocido como efecto 2000, error del milenio, problema informático del año 2000 o el Y2K (Y=year (año), 2=dos y K=kilo o 1.000) 

Belle Époque o La Belle Époque (La bella época) es una expresión en francés que se utiliza para designar el período de la historia de Europa comprendido desde el final de la Guerra franco-prusiana en 1871, hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914. Su nombre obedece, quizás, a la visión nostálgica que tendía a embellecer el pasado de una Europa “idílica” anterior a 1914, tras el salvaje trauma de la Primera Guerra Mundial. Coincide con los nuevos movimientos artísticos como: el modernismo, impresionismo, simbolismo, el auge de los carteles, los inicios del cine y de la radio (finales del siglo XIX) y con las nuevas corrientes como el expresionismo, fovismo, futurismo (principios del siglo XX) Recordemos que la Revolución Industrial popularizó la arquitectura de hierro y monumentos como la torre Eiffel o la Estatua de la Libertad se convirtieron en símbolos. Gracias a las innovaciones tecnológicas que se difundieron masivamente (Revolución Industrial) la tendencia general respecto al futuro eran optimistas y ambiciosas. Surgieron el positivismo, el cientifismo y a estas ideas se sumaron muchos intelectuales. Desde finales del siglo XIX los avances tecnológicos y las nuevas fuentes de energía (el reemplazo del carbón y el vapor por la electricidad y el petróleo) permitieron que la producción industrial fuera más barata y en mayor cantidad que en épocas pasadas. La economía empezó a globalizarse. He aquí algunas imágenes de estas innovaciones.

El Hundimiento del RMS Titanic en 1912 es la tragedia más conocida de la época
El primer automóvil fabricado en serie: el Ford T, producido desde 1908 a 1927 por la Ford Motor Company de Henry Ford 
La Torre Eiffel en la Exposición Universal de 1889 en París.

Por otra parte la música reflejó un momento de esplendor con las óperas de Richard Wagner, Giuseppe Verdi. Algunas escuelas musicales dentro de los cánones clásicos: Chaikovski, Músorgski o Rimski-Kórsakov, mientras otros fusionaban elementos clásicos y populares como Johann Strauss. ​

El ballet se convirtió en una de las representaciones teatrales más famosas de la época. Mientras que los espectáculos de variedades fueron muy populares en los cabarés como en el Moulin Rouge, en Le Chat Noir o en el Folies Bergère.

El estilo único de Isadora Duncan se aleja de los patrones clásicos conocidos hasta entonces, incorporando puestas en escena y movimientos basados en una visión filosófica de la vida. En su propuesta mezcla las ideas de Nietzsche y del expresionismo. Su búsqueda es la esencia del arte, que solo puede proceder del interior del individuo.

Isadora Duncan (1878–1927)

Marie Louise Fuller, más conocida como Loie Fuller fue una bailarina, actriz, productora y escritora estadounidense. Adquirió una gran fama al concentrar su baile en los efectos visuales, utilizó tejidos que flotaban y luces multicolores.  Sirvió como modelo para retratos de los artistas Toulouse-Lautrec y Auguste Rodin, también fue reconocida por los científicos franceses por sus teorías sobre la iluminación artística.

Cartel de Loie Fuller en el Folies Bergère.

Gran vestíbulo del cabaret Folies Bergère.

La Belle Époque se hizo notar sobre todo en la arquitectura de los boulevard de las capitales europeas, en los cafés, cabaret, talleres, galerías de arte y en las salas de conciertos.

The Invisible Man de H. G. Wells (Londres: Pearson, 1897) Portada de la primera edición

En la literatura se popularizan las obras de aventuras y de ciencia ficción, como las novelas de H. G. Wells o Julio Verne.

Aparece el psicoanálisis (Sigmund Freud), luego Carl Gustav Jung continúa con el avance de la psicología.

El deporte comienza a tomar protagonismo en la vida del ciudadano: el fútbol, cricket, golf, tenis, ciclismo, esgrima.

Arte moderno

El arte moderno es un concepto estético y no cronológico. Se refiere a obras experimentales, nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas. La Revolución industrial no solo trajo las innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las relaciones productivas, sociales, y con ellas, la posición del artista frente a su cliente/espectador.

Ahora bien, si hablamos del arte de la Edad Moderna, nos referimos al Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococó (siglo XV a finales del siglo XVIII), pero si nos referimos al arte moderno, estamos haciendo referencia a los movimientos que van desde el Neoclasicismo (1730 – 1820), hasta la época actual.

A finales del siglo XX surge el movimiento artístico italiano «transvanguardias» y nace el concepto «postmodernidad». Para algunos autores la posmodernidad pone fin al modernismo, pero esto es otro tema para el próximo post.


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