El Pop Art y Op Art son dos movimientos artísticos que, además de surgir en diferentes épocas, tienen principios estéticos y sociales muy distintos. En algunos casos se confunden porque solemos englobar como una unidad a muchas de las manifestaciones artísticas que surgieron durante los 50 hasta los 80 o quizás porque sus nombres, a simple vista, se parecen.

Si buscamos en el diccionario estas palabras encontramos:

Si ponemos el traductor resulta que: Pop art = Arte pop; Op art = Arte abstracto.

Sin embargo estas consultas no aclaran las diferencias sociales ni estéticas de ambos movimientos. Entonces nos vamos a la Wikipedia, que nos remiten al arte folclórico, lo que puede confundir aún más ya que se refieren a cosas diferentes.

«El Pop Art es un movimiento artístico surgido en el Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.»

[…] El Op Art (abreviatura del inglés optical art, lit. ‘arte óptico’), es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. Suele usarse en la crítica e historia del arte la denominación en inglés, op art, aunque también hay referencias al arte óptico.

[…] El arte folclórico es aquel creado de un modo tradicional por campesinos, marineros, artesanos o comerciantes que no cuentan con una preparación formal. También es el arte producido por miembros de un grupo social o étnico que han preservado su cultura. Para que un objeto o hecho sea considerado folclórico debe ser anónimo.

Aclarados los nombres y luego de varias búsquedas se pueden sacar como primera conclusión que el Pop Art está inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época en que surgió y el Op art es un juego de ilusiones ópticas, pero podemos profundizar un poco más y encontrar otras diferencias y ¿semejanzas?, no sólo de tipo estético, sino también social y de propuesta artística. Para ello, recordemos algunos sucesos históricos.

Contexto

Todo cambio, o no cambio, en la sociedad repercute en las acciones de los humanos y el artista se hace eco de ello a través de su trabajo. Por eso no me canso de repetir que el arte refleja, transmite y/o advierte. También sabemos que los mecenas/avalistas han estado presentes en todas las épocas para apoyar o negar una corriente/artista y estos movimientos no escaparon de estas influencias.

Hagamos un poquito de historia sin ánimos de caer en detalles, ya que no se trata de una clase de historia universal. Tal solo voy hacer referencia a los acontecimientos más resaltantes de estos años y que se van a caracterizar por marcar dos corrientes muy bien definidas: la capitalista y la comunista.

Cabe destacar que en esta década de los años 50 Estados Unidos y la Unión Soviética, las dos superpotencias vencedoras de la Segunda Guerra Mundial, rompieron la alianza que mantuvieron durante esa guerra y se convirtieron en líderes de dos bloques: el Occidental (occidental-capitalista) liderado por Estados Unidos, y el bloque del Este (oriental-comunista) liderado por la Unión Soviética. Esta ruptura desencadenó en una nueva manera de luchar: la Guerra Fría. Esto a muy groso modo y para ubicarlos luego en el contexto artístico.

Los diversos acontecimientos que ocurrieron a nivel mundial sirvieron para cambiar la visión del mundo, pero esos sucesos se pueden tomar como consecuencias de esta división: Las dictaduras en diferentes lugares. Las nuevas guerras: Comienza en 1950 la Guerra de Corea en donde, al culminar en 1953, ambos bandos se declaran ganadores y el país se divide en dos: Corea del Norte (apoyada por la Unión Soviética) y Corea del Sur (apoyada por Estados Unidos). La guerra civil en China que, al triunfar Mao Tse-Tung, instauró en la parte continental de su nación un nuevo gobierno de ideología comunista que revolucionó al país, reconocido como República Popular China. La guerra de Vietnam se inicia en 1955. También se firma el Pacto de Varsovia, donde la Unión Soviética y siete estados más del bloque comunista se unen política y militarmente en contraposición a la OTAN. En 1958 se crea la NASA. Estos son algunos de los hechos que se originan en estos años, además del famoso «Maracanazo» (mundial de Fútbol en Brasil, 1950, en donde se enfrentaron el equipo local contra la selección de Uruguay, quien resultó vencedor y campeón de la copa).

Pero volvamos con la Guerra Fría que se convirtió en una prioridad para los Estados Unidos ya que se siente amenazada por la Unión Soviética al iniciar ésta sus ensayos de armas atómicas y por el creciente poder de la revolución comunista de Mao Tse-Tung en China, que servirá de inspiración a otros pueblos occidentales.

Como podemos observar el mundo se comienza a percibir desde dos puntos de vista, dos grupos liderados por las potencias enfrentadas que necesitan resaltar sus valores como sociedades “auténticas”. Por eso en ambos bandos vamos a encontrar movimientos artísticos que avalan estos principios.

Estados Unidos necesita mostrar una imagen moderna, atractiva. La bandera será la libertad de expresión en contraposición con lo que ocurre en los países comunistas, en donde el arte continúa siendo abiertamente el vocero oficial del sistema y el realismo social su movimiento por excelencia.

En América latina el realismo social encuentra eco en naciones que, a través del arte, muestran una nueva estética y la imponen como un nuevo modelo de belleza. Entre ellos podemos citar a los muralistas mexicanos y al pintor y dramaturgo venezolano César Rengifo.

Ambos bloques tienen sus adversarios y seguidores, sobre el realismo y concretamente sobre el arte ruso he escrito antes, ahora toca centrarse en diferenciar y ver similitudes en el Pop y Op art.

Otras diferencias (más allá de la letra que le falta a Op para ser Pop) y semejanzas (aparte de ser art)

El Pop art

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido, luego, a principios de los 60 cobra fuerza en Estados Unidos y se hace más popular a nivel mundial. Recibe influencia del Expresionismo Abstracto y del Dadaísmo.

El Pop Art se asemeja con el Dadaísmo en que ambos representan objetos cotidianos, pero se diferencia de éste al eliminar la crítica satírica y la actitud anárquica que sí tiene el movimiento Dadaísta.

Como se puede observar en estos dos ejemplos de obras Dadaístas, ambas están realizadas con objetos cotidianos elevados a propuesta artística. Un urinario (Marcel Duchamp) y un trompo (Max Ernst). El Pop Art pretende que las cosas hablen por sí mismas. Es una manera de mostrar un mensaje que todos puedan entender, por eso utiliza imágenes populares en oposición a las figuras que se acostumbraban usar en las llamadas Bellas Artes que necesitaban de un experto para su interpretación.

El mensaje y estilo del Pop Art que se desarrolló en los estados unidos es el que va a imperar en los demás países. Se tomará la imaginería de la cultura popular estadounidense y se hará de ella un lenguaje universal. Los temas suelen ser sociales: la lucha por los derechos civiles, la participación pública y masiva, las protestas en contra de la guerra de Vietnam… intercalados con un mensaje que rechaza el comunismo y los valores conservadores. Muchos artistas adoptaron técnicas mecánicas de imprenta para reflejar el mundo contemporáneo y distribuir su arte en masa.

El Op art

En las obras del Op Art el observador participa activamente. Debe moverse para captar el efecto óptico, la impresión de movimiento, la existencia de imágenes ocultas, de patrones de destellos, vibraciones o de hinchazón y deformación. Estos efectos se logran a través de combinar o repetir formas, figuras, patrones, que pueden ser geométricas simples (rectángulos, cuadrados, triángulos, círculos). Son obras abstractas y las más conocidas están realizadas en blanco y negro.

Un poco de historia

El término Op Art lo utilizó por primera vez la revista Time Magazine en 1964 para referirse a una forma de arte abstracto que utilizaba ilusiones ópticas, al reseñar la obra Optical Paintings de Julian Stanczak en la Martha Jackson Gallery. Sin embargo, algunas obras que ahora se consideran como Op art, ya se habían producido varios años antes de la publicación del dicho artículo.

La influencia de la Bauhaus en el Op art es innegable. Cuando esta escuela se vio obligada a cerrar en 1933, muchos de sus fundadores y profesores huyeron a los Estados Unidos. Allí, el movimiento se arraigó en Chicago y finalmente en el Black Mountain College en Asheville, Carolina del Norte.

La Bauhaus enfatizó la relación entre la forma y la función en un marco de análisis y racionalidad, se centró en el diseño general o en la composición completa para presentar trabajos unificados. Debido a estas enseñanzas, su influencia sobre el tratamiento de la forma y la función sirvió de inspiración para muchos artistas que experimentaron con la imagen posterior (la tradicional imagen de fondo) y el movimiento consecutivo; la interferencia de líneas; el efecto de deslumbramiento; las figuras ambiguas, la perspectiva reversible; los contrastes de color sucesivos, la vibración cromática y en las obras tridimensionales ensayaron con los diferentes puntos de vista y la superposición de elementos en el espacio.

El arte óptico también proviene del trompe-l’œil (del francés, para ‘engañar al ojo’). Este es un término artístico para la ilusión óptica altamente realista del espacio tridimensional y objetos en una superficie bidimensional. Aunque la perspectiva forzada es una ilusión relacionada a la arquitectura, el trompe-l’œil se asocia con mayor frecuencia con la pintura ya que engaña al espectador para que perciba los objetos o espacios pintados como reales. También utiliza la anamorfosis, que es una deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico, o a través de un procedimiento matemático.

Estas investigaciones y tras la Segunda Guerra Mundial, apareció una nueva generación de artistas abstractos que exigían del espectador una participación activa y con ello aparece el Op Art con imágenes para observar de forma activa, participativa.

Blanco, negro y la relación figura-fondo

La relación entre la figura y el fondo en estas obras son una yuxtaposición tensa y contradictoria, ya que ambos se alternan como figura o como fondo de acuerdo a la visión que tengamos de ella. Estas obras se crean de diferentes maneras: crear efectos a través del uso de patrones y líneas, a menudo en blanco y negro o también en grisalla como en la famosa pintura de Bridget Riley, Current (1964)

Interacción del color

A menudo está dominado por las mismas preocupaciones del movimiento de figura y fondo, pero tienen el elemento agregado del color que producen diferentes efectos en el ojo, sin olvidar que los colores utilizados conservan su propia identidad, aunque pueden ser un poco alterados por el contraste. Hay tres maneras básicas de trabajar la interacción del color:

El contraste simultáneo, que puede tener lugar cuando un área de color está rodeada por otra área de un color diferente. En general, el contraste mejora la diferencia de brillo y/o color entre las áreas que interactúan. Dichos efectos de contraste son mutuos.

El contraste sucesivo, aquí primero se ve un color y luego el otro. Esto se logra al fijar la mirada en un color y luego rápidamente pasarla al otro color.

El contraste inverso (o asimilación), en este ejemplo la claridad del blanco o la oscuridad del negro hace parecer que se extiende a las regiones vecinas. De manera similar, puede parecer que los colores se extienden o se asimilan a las áreas vecinas. Todos los efectos tienden a hacer que las áreas vecinas semejen ser más parecidas, en lugar de ampliar las diferencias como en el más familiar contraste simultáneo, de ahí el término contraste inverso.

Estos movimientos desencadenaron en otros. Entre ellos cabe destacar un arte callejero de gran impacto que utiliza el realismo de los objetos y los combina con ilusiones ópticas para crear paisajes fantásticos.

En las obras de Edgar Müller se combinan la pintura realista con la perspectiva falsa.

Y los graffiti también cambian, se introducen efectos ópticos y de 3D. El grafitero Odeith nos recrea con sus representaciones al transformar por completo un viejo bloque de cemento en un autobús averiado, que incluso cambia de perspectiva según se vea a la luz del día o de la noche.

Además de otras representaciones en 3D.

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Y en las obras de Rodrigo Miguel Sepúlveda Nunes (Vile) se desafía lo que observamos. La ilusión óptica nos hace dudar de la realidad. Un ejemplo de ello es esta pared transformada con un grafiti realizado por él.

A manera de conclusión

Diferencias entre:

Semejanzas: Ambos combinan o repiten formas, figuras, patrones, que pueden ser geométricas simples (rectángulos, cuadrados, triángulos, círculos). Utilizan materiales de uso común en sus obras, el Pop Art las representa y el Op Art las emplea en su ejecución (como el nylon en los penetrables de Soto). El colorido es brillante y llamativo. Lo representado es fácil de identificar.