La obra de arte ¿Necesita ser explicada?

Desde los inicios de la historia los artistas no se han valido del discurso «políticamente correcto» para señalar la parte de la realidad que el resto no quiere ver o de la que simplemente aún no se ha percatado.

Los encargados de calmar los ánimos y de poner de moda el trabajo de un artista, su persona o concepto, son los llamados mecenas que desde sus inicios fueron catalogados de críticos/expertos/entendidos por poseer los avales económicos y sociales necesarios para explicar al resto de la humanidad el concepto de las obras y las actitudes de los artistas.

De esta forma se pretendió alejar al público general del contenido de la expresión artística para dejar a los entendidos la comprensión de la misma.

Así el arte se limitó a una élite de la sociedad y el resto de los mortales comenzó a ver a los artistas como diferentes, extraños, excéntricos y al arte como una expresión ajena a la vida cotidiana. Aun entendiendo el mensaje/concepto se espera la explicación del experto para admirar o repudiar la obra.

Mecenas, filántropos, patrocinadores

Artista; mecenas;patrocinante

El artista también come

Mecenas, filántropos, patrocinadores Que el artista es una persona y como tal debe alimentarse suena obvio pero, antes de plantearse el tema como un desfile de bohemios provocando emociones mientras recitan sueños, como bien los describe la canción, cabe recordar que vivimos dentro de un sistema social concreto y por lo tanto no sólo de … Sigue leyendo El artista también come

Con la Revolución industrial cambiaron los conceptos y la forma de pensar de la colectividad, sin embargo, para la mayoría de las personas los artistas siguieron siendo seres estrambóticos capaces de decir/hacer cosas que no eran parte de lo cotidiano o hacían de lo cotidiano una exaltación un tanto extraña. El arte continuó siendo el deleite de unos pocos que formaban una élite, siempre pasando por el tamiz del experto, el mecenas y/o el crítico que no hacen reseñas ni divulgación sino que son los llamados a explicar, clasificar y mediar entre la obra y el público.

El artista ha lidiado con esto desde los inicios de la humidad y cuando la «tutoría» del experto es inevitable para sobrevivir, algunos han optado por mostrar su visión de la realidad a través de imágenes aceptadas y reconocidas por el statu quo de su época, otros han inventado sus propios códigos y algunos han dado un paso más allá en la crítica de esta «tutoría» que define lo que es y lo que no es arte y se han atrevido a exaltar algunos elementos cotidianos a categoría de obra de arte.

Dentro de los primeros están los artistas que dicen o hacen «lo correcto», de acuerdo a su época. Ven el mundo según como «debe» ser y su propuesta es de tipo técnica. No tienen propuestas de contenido como aquellos que encubren su visión del mundo con códigos, símbolos, fantasías o los que se van directamente por libre e interpretan el entorno. Sin dejar de hacer arte, su obra se convierte en producto, mercancía que avala y trasmite los valores imperantes de la época.

Inventando sus propios códigos, dentro del statu quo

Dentro de los que se han inventado sus propios códigos podría señalar algunos artistas que ya, a finales de 1400/1500, planteaban en sus obras escenas inusuales a su época y que mucho tiempo después las vamos a encontrar desarrolladas en algunos movimientos que hoy conocemos como de vanguardia (entre ellos el Surrealismo)

Se me ocurre comenzar con El Bosco quien, de acuerdo con los historiadores, tenía una marcada formación religiosa y con su arte pretendía señalar la decadencia de la fe en de su época. Sin embargo, sus imágenes no se limitan a mostrar lo «pecaminoso» del individuo de una forma simple, directa, como sí lo hicieron otros artistas. En la mayoría de sus trabajos satiriza el discurso moral de su época. En El jardín de las delicias, por ejemplo, las edificaciones descabelladas, flores extrañas, orejas atravesadas con lanzas y daga, entre otros elementos de la composición, le sirven de marco para representar una realidad evidente para él, utiliza la imaginación para crear formas inusuales que quizás muestren un universo de sueños o quizás sean escenas vistas o referenciadas al artista que no pudo expresar de otra forma. Algunos de los llamados entendidos le atribuyeron a la obra de El Bosco la capacidad de mostrar el alma, el interior del individuo a través de sus imágenes.

El jardín de las delicias

Así mismo cabe recordar a Pieter Brueghel el Viejo. En especial su obra Dulle Griet (La loca Meg o La loca Rita) que representa a Meg como una campesina que dirige a un ejército de mujeres a rapiñar el infierno. Si observamos el fondo las imágenes de las edificaciones son rostros desfigurados y las ventanas son ojos desorbitados. También aquí se explica la visión del artista, quien utiliza formas fantásticas para representar un mundo no conocido como lo es el infierno. ¿Un infierno fuera de este mundo o una aldea en el año 1500, de esas que visitaba haciéndose pasar por campesino cuando iba en búsqueda de inspiración y detalles auténticos para sus pinturas de género? En cualquier caso no hay forma de saberlo con exactitud.

Dulle Griet (La loca Meg)

En ambos casos las referencias de la imágenes son todas realistas, no son manchas de colores ni figuras irreconocibles, luego pintaron algo que van visto, recrearon escenas que interpretaron con su forma de expresión y dentro del discurso imperante (de forma consciente o inconsciente, quizás para evitar la censura)

Muchos años han transcurrido desde 1500 hasta la fecha y también son muchos los artistas que durante todo ese tiempo han empleado imágenes a manera de símbolos en sus obras para expresar sus ideas, por esa razón tan solo voy a mencionar a dos:

M. C. Escher, cuya obra se caracteriza por representar figuras imposibles, mundos imaginarios, perspectivas diferentes de diversos espacios tridimensionales.

La obra de Escher ha tenido una influencia en las matemáticas, el arte y hasta en la astronomía. En1985 un asteroide fue nombrado “(4444) Escher” en su honor.

Y esto me lleva a Salvador Dalí. Uno de los máximos representantes del Surrealismo, quien llevó su propuesta artística al máximo punto cuando fusionó su persona con la obra pictórica. Esta unidad con su trabajo artístico dejó poco margen para que los críticos/expertos/entendidos explicaran su arte ya que él mismo era su propuesta y su vocero.

En la fotografía de Philippe Halsman, Atomicus Dalí (1948), Salvador Dalí explora la idea de la suspensión representando tres gatos que vuelan, un cubo de agua lanzada y él flotando en el aire.

No podemos olvidar que la obra artística es un continuo, un discurso en plena elaboración, con sus giros y sus investigaciones, en donde cada pieza forma parte importante de un todo, por esta razón los mensajes de los artistas que han empleado en sus obras elementos o mundos fantásticos para expresar su visión y las experimentaciones que hacen del movimiento, técnica y discurso han necesitado justificación para ser aceptados por los llamados a establecer la jerarquía artística y por supuesto, dar el permiso para que luego los mortales comunes podamos «entender» y «disfrutar». En algunos casos se le atribuyeron a esas obras un sentido moralista (mostrar los pecados del individuo) o simplemente excentricismo por parte del autor. Lo curioso es que aquellos artistas que han utilizado cosas de la vida cotidiana para transmitir su mensaje, también han corrido con la misma suerte de ser explicados a través de terceros.

Elementos cotidianos como obras de arte

Comienzo con uno de los artistas que en la actualidad es muy conocido, pero en su tiempo fue uno de los más incomprendidos. Me refiero a Vincent Van Gogh. Su obra y elementos son muy extensos. Abarca desde paisajes, retratos, naturaleza muerta, hasta zapatos (que siguen sin ser los más populares).

Aunque a simple vista no podríamos señalar una propuesta o intención crítica de parte de Van Gogh sería bueno recordar que toda su obra se basa en representaciones de su entorno y no con un sentido anecdótico, sino con la fuerza del grito de una persona marginada que desea ser vista. Según yo lo veo es quizás uno de los primeros “nadie” o uno de los “otros” de la sociedad cuyo mensaje logró trascender.

Siguiendo con las representaciones artísticas encontramos que con el tiempo el uso de estas cosas cotidianas se prestó para que el artista expresara su opinión de la realidad social de su época. Marcel Duchamp llevó esta idea al extremo.

El mejor ejemplo de ello fue su obra La fuente (1917) firmada R.Mutt y presentada por Duchamp. Demostró que cualquier cosa presentada dentro de un contexto adecuado (una galería, un museo) era declarada como una obra de arte y aceptada por la sociedad como tal.

Con esta propuesta puso en evidencia la participación de los llamados críticos/expertos/entendidos y sus opiniones sobre la propuesta artística. Más adelante el Arte pop continuó con esta línea y usaron objetos cotidianos del mundo del cine, anuncios publicitarios, comic, música… para resaltar lo voluble de lo que se considera «artístico». ​Ejemplo de ello es la obra de Andy Warhol, quien es probablemente la figura más famosa del arte pop. En los años 1960 empezó con sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba íconos de la cultura estadounidenses, tanto como lo eran Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. En los años 1970 es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos y llamar la atención en las participaciones de las famosas 24 Horas de Le Mans.

BMW M1 decorado por Warhol.

Entre ellos la firma BMW. Así se creó lo que se conoció como el Art car.

Otra forma de ver el entorno con la realidad que rodea, que choca con lo establecido, son las personas que participan en este mundo cada vez menos territorial. Pero a pesar de tantos siglos transcurridos la estética renacentista continúa prevaleciendo y la belleza del individuo sigue bajo sus parámetros, entonces surgen artistas que muestran al mundo un nuevo concepto de belleza. Esta nueva estética puso en evidencia la marginalidad a la que estaban sometidas una gran parte de la población.

Comienzo por señalar a Paul Gauguin que en su búsqueda de nuevos horizontes encontró una nueva estética y un nuevo paisaje lleno de luz y colores contrastantes. A pesar de ser un individuo aceptado por la sociedad de su época, escandalizó a muchos al exponer su trabajo ya que con él se alejó de los parámetros «políticamente correctos» del momento.

Puso como protagonista a personajes de una raza diferente a la blanca. Dejaron de ser el esclavo o sirviente que aparecía como un marco de referencia. Esta propuesta en la obra de Gauguin introdujo en Europa una nueva visión de la estética.

Vahine no te tiare

Otras fueron las razones para que los Muralistas Mexicanos alzaran su voz. Fue un sentimiento político quien impulsó su obra, pero sirvió para poner en evidencia una nueva estética y elevar a categoría de obra de arte las costumbres y tradiciones de una población.

José Clemente Orozco  Omnisciencia.
Diego Rivera.
Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central
David Alfaro Siqueiros
El coronelazo

También viene a mi mente la obra de Fernando Botero quien a través del estudio del volumen realizó una obra donde se resalta la voluptuosidad de las figuras. En ellas muestra la sensualidad de las formas de una manera realista.

Concierto campestre

¿Es realmente importante conocer todos y cada uno de los códigos/símbolos de los que se vale el artista para poder interpretarlo?

La gracia está en que cada uno le dé una lectura desde su marco de referencia, y que a su vez este se amplíe gracias a la «conversación» con la obra. Esa virtud solo es admitida en la literatura “leer abre la mente” te hace una persona «culta» siempre y cuando la lectura sea según los cánones y los llamados clásicos.

De igual modo ocurre con la música, solo es «cultura» cierto tipo de música, que además debe ser explicada. La que se explica y se siente por si sola ya no es expresión artística de una época concreta, ya no refleja una realidad ni evidencia códigos de comunicación, ni de visión emergente. Como si escuchar que el primo de Juanito Alimaña lo protege porque trabaja en la policía no diera una idea de la vida en un barrio peligroso en una gran ciudad. Carmina Burana es otro ejemplo de códigos camuflados, habla de placer terrenal, vino, amor carnal y de goce por la naturaleza, temas no muy permitidos los siglos XII y XIII. La música es arte solo si está avalada.

Por otro lado un gratiffi, que nació y se mantiene como expresión callejera, solo es arte si se trata de Banksy, una novela escrita solo es literatura si cumple con los parámetros de una editorial. No importa la propuesta, solo será arte si cuenta o no con las referencias y avales.

Con las tecnologías y estos quince minutos de libertad en cuanto a compartir y generar contenido que tenemos hoy en día queda patente que el arte es lo que te haga vibrar, soñar, pensar. Como un viaje sin agencia ni planificación de por medio, sin horarios, una aventura con cada encuentro, baile, sonido, color y letra.


8 comentarios sobre “La obra de arte ¿Necesita ser explicada?

  1. Muy interesante, definitivamente cada quien interpreta el arte según el marco de referencia que traigamos. Es deseable tratar de conocer, estudiar y profundizar para descubrir nuevas formas de verlo, pero lo definitivo es lo que una obra de arte nos hace sentir. Saludos.

    Le gusta a 1 persona

    1. Hola azurea20. Tienes razón en el mundo del arte hay muchos intereses de por medio, pero lo que me parece insólito es que a estas alturas de los siglos es que muchas personas necesiten el aval y/o la explicación de alguien para saber si le gusta o no una obra. Un abrazo 🐾

      Le gusta a 1 persona

    1. Hola Tobiazzzzz, gracias por tus palabras. Creo que El Bosco es un artista que representó una realidad terrible, bajo un manto de «fantasía» Su obra es, sin duda alguna, una expresión que escapa a su época. Un abrazo 🐾

      Me gusta

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Salir /  Cambiar )

Google photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google. Salir /  Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Salir /  Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Salir /  Cambiar )

Conectando a %s

Este sitio usa Akismet para reducir el spam. Aprende cómo se procesan los datos de tus comentarios .