En tiempo de crisis, algunos artistas se dieron a conocer

¿Tiempo de crisis?

Muchas personas creen que el artista «necesita» sentir un sufrimiento extra, algún trastorno, vicio, o cualquier cosa fuera de lo normal para que pueda producir una obra. De ser esto cierto pudiéramos asegurar que en épocas de crisis surgen muchos, muchos, muchos grandes artistas, pero la realidad ha demostrado que esto no es así. A través de la historia son contados los que logran trascender.

Contrario a la creencia popular, la comodidad y la creación no son polos opuestos. Existen personas que se atreven a preguntar en voz alta: ¿Acaso el artista necesita estabilidad para poder pensar o producir? Parece que se les pasa por alto que es una persona y como tal, tiene la mala costumbre de comer. Además de necesitar un lugar, una residencia donde vivir, materiales para su trabajo, en fin, cosas que los humanos consideran de primera necesidad. ¿Y que necesita para trascender? ¿un mecenas? ¿una propuesta? Pienso que la respuesta indicada es la propuesta, el mensaje. Creo que sin ella el mecenas puede imponer un trabajo por el tiempo que desee, pero no lo puede elevar a categoría de obra de arte y si lo hace, ya vendrán los que desmonten su tarantín y el «artista» quede al desnudo.

¿Qué hacer? ¿Cómo sobrevivir?

Se me ocurre pensar que en tiempos de crisis se acentúan los intereses personales y sale a relucir la esencia del individuo, sea cual sea su profesión u oficio. Y ante la creación o invención hay dos posturas: Los que tienen una búsqueda, un discurso, siguen su camino aunque tropiecen. Y otros, quizás basen su discurso en lo inmediato, con «buenos» (generalmente opositores) y «malos» (representantes del sistema) y al no poder señalar a unos u otros se quedan vacíos y dejan de producir. El artista no escapa a esto.

Podemos tomar como referencia a la Gran Depresión de 1929, una gran crisis financiera mundial. Las cifras de las personas que quedaron en paro parcial, que perdieron sus empleos, viviendas y posibilidades de tener una vida digna, fue descomunal, sin contar el números de suicidios, familias rotas, personas abandonadas a su suerte… Es obvio que los artistas, como partícipes de la sociedad, también se vieron afectados.

¿Por qué, a pesar de esto, algunos se dieron a conocer? ¿Por qué sus obras calaron en una sociedad devastada por la economía y la quiebra de valores?

¿Cuál fue el discurso utilizado?

En la fotografía

Pudiéramos creer que es una de las manifestaciones artísticas más fáciles para que el individuo se dé a conocer en casos de grandes catástrofes naturales, crisis, guerras, etc., pero es curioso que sean pocos los que trascendieron a nivel mundial, lo cual indica que no todo el que tiene una cámara es capaz de transmitir su visión del mundo al resto de los mortales.

La fotógrafa Dorothea Lange abre un exitoso estudio en 1918 en San Francisco y en 1920 se casó. Tuvo dos hijos. El realismo de su propuesta se conoció a nivel mundial cuando sacó sus cámaras a la calle para plasmar la Gran Depresión del 29. Su constitución débil y deformaciones en los pies (producto de la poliomielitis) no fue relevante a la hora de desarrollar un trabajo independiente, reflejo de la realidad que le rodeaba. Su trabajo más famoso: «Madre Migrante»

En la foto: Florence Owens Thompson.


Fotógrafo y fotoperiodista, Walker Evans destaca por reflejar la humanidad y el realismo de sus imágenes. Sus obras representan escenas rurales cotidianas. Su objetivo era producir “fotografías inteligentes, autoritativas y trascendentes”, según sus palabras.

Foto: Alabama miners’ houses near Birmingham, Alabama


Con su propio estudio de fotografía dedicado a la moda y retratos a finales de la década de los 20, Cecil Beaton trabajó para la edición americana de Vogue. Comenzó su carrera fotografiando a sus amigos ricos y famosos. Algunos fueron: Gary Cooper; Pablo Picasso; Aldous Huxley; Winston Churchill; Charles de Gaulle; Greta Garbo; Marlon Brando; Reina Isabel II de Inglaterra en su Coronación; María Callas; Rudolf Nureyev; Margot Fonteyn; Jacqueline Kennedy; Twiggy; Carolina de Mónaco.

Para algunos esto se puede considerar una frivolidad sin trascendencia, pero para Beaton fue el punto de partida para desarrollar una propuesta que lo llevó a posicionarse en el mundo del arte. En la foto: Cecil Beaton

En el cómic

Algunos adultos tienden a ver esta expresión del arte con cierta benevolencia, como «cosas para niños» y caen en el error de no prestarles la debida atención. En ocasiones permiten que sus hijos vean contenidos que pudieran desaprobar si no fuera por los «dibujitos» y los colores, pero se dejan llevar y se los ponen hasta que éstos se convierten en sus cuidadoras. Hay otro grupo que no llega a tanto, pero que los mira de reojo, como «cosas de muchachos…» y están los fanáticos o frikis, pero ellos… son otro tema.

El cómic es una de las propuestas más complicadas que existe. Aunque en la actualidad hay un gran número de programas que sirven como herramienta para desarrollar las ilustraciones, hacerlo requiere un gran trabajo. Es una secuencia que se desarrolla en dibujo y texto, al unísono, con orden, la idea debe estar muy clara desde el principio para que, luego, sea de fácil comprensión. Los finales son abiertos o no (eso lo decide el autor), pero deben permitir la continuidad del personaje para la próxima entrega. Requiere, como mínimo, una buena disciplina y organización. Si hay talento, mejor.

Los grupos que dirigen a la sociedad comprenden que en los momentos de crisis no se pueden dejar a un lado a los jóvenes y niños. Por eso necesitan desarrollar historias y personajes que sirvan como modelos. Ese trabajo lo ponen en las manos de los especialistas en temas infantiles y juveniles.

En la época de la Gran Depresión de 1929 es probable que se desarrollaran muchos proyectos por «encargo», pero quien desarrolló una historia y un personaje válido, creíble, interesante y que, por su calidad perduró en el tiempo, permitiendo que la disfrutamos todos en diferentes épocas, con distintas edades, con la misma emoción y pasión (aunque ya no seamos ni tan niños ni tan jóvenes) fue:

Georges Prosper Remi más conocido por el seudónimo artístico Hergé, por ser esa la pronunciación en francés de sus iniciales en orden invertido. creador de Las aventuras de Tintín (1929)


Otros artistas estaban desarrollando sus propias ideas (nadie les pidió un personaje/modelo, ni una historia para que la sociedad la adoptara como propia) Ellos iban a su ritmo, desarrollando sus propias ideas y así:

¡Nacieron los Superhéroes!

Al escribir sobre ciencia ficción surgen historias fantásticas de héroes que nos protegen de todos los males. Nadie dijo que el país necesitaba un superhombre para que los sacaran de esa crisis, pero cuando salieron a la luz, todo Estados Unidos se conmovió con ellos. Algunos los adoraron y otros los odiaron. Se crearon bandos en defensa de unos y de otros. Dejaron de ser «historias para niños», para convertirse en amigos incondicionales de sus aliados. Cuando estos personajes y sus historias salieron al resto de los países el fenómeno de amor y odio se repitió, el resto del mundo comenzó a tomar partido en un bando o en otro…

Personajes y sus creadores:

El escritor estadounidense Jerry Siegel  y el artista canadiense Joe Shuster, se hicieron famosos como los creadores del más exitoso y conocido personaje de ficción del siglo XX: Superman. Pese a ello, National Allied Publications tenía los derechos de autor.

Luego de 10 años de contrato, produciendo historias de Superman, Siegel y Shuster demandan a la National por sus derechos sobre el personaje. Reclaman la anulación del contrato de cesión de derechos y el reconocimiento de la idea de Superboy. Dos años más tarde, el Tribunal Supremo del Estado de Nueva York reconoce sus derechos sobre Superboy y dictamina que los derechos sobre Superman habían sido válidamente adquiridos por la editorial cuando se compró la primera historia. Después de esta amarga disputa legal, DC Comic elimina sus nombres de los créditos en los cómic.

La venta de los derechos completos de Superman por $130 ($2.200 cuando se ajustó para la inflación) fue la triste cifra que ambos obtuvieron en la primera venta. Más adelante, cuando llegaron a un acuerdo extrajudicial, obtuvieron $94.013,16 ($927.500 hoy) por los derechos completos de ambos personajes (Superman y Superboy) ¿Cuánto ha ganado DC Comic hoy en día gracias a estos personajes? En la foto: El inolvidable Christopher Reeve, como el amado y siempre eterno Superman.


El historiador de cómics Ron Goulart se refiere a Batman, en la «Enciclopedia del comic book» como: “creación del artista Bob Kane y del escritor Bill Finger.” Kane fue un dibujante y escritor de cómics, considerado legalmente como el creador para DC Comics de Batman.

Años más tarde Kane reconoció que Bill Finger, quien era escritor del estudio, «contribuyó» en la creación del personaje. Finger adicionalmente «ayudó» a crear enemigos de Batman tales como como The Joker, El Pingüino, Catwoman, Dos Caras, Enigma, entre otros. También escribió muchas de las historias originales de Linterna Verde, entre otras. En la foto: Christian Bale como el humano, amado y conmovedor Batman.


Capitán América fue creado por Joe Simon y Jack Kirby, que son famosos también por inventar (a finales de la década de los 40) el género de las historietas de romance y ser pioneros en la historieta de horror.

Simon (Algunos de sus pseudónimos han sido Gregory Sykes y Jon Henery) fue escritor, historietista y editor. Creó y co-creó muchos personajes importantes en la Edad Dorada de la Historieta (década de los 30 y 40) y fue el primer editor de Timely Comics, (compañía que se convertiría en Marvel Comics). En la foto: Chris Evans como el magnífico Capitán América.

¿Y las superheroínas…? No hay! Aunque esto pertenece a otra historia…. no pude evitar mencionarlas en este renglón…

En la Gran Depresión de 1929 nadie apostó que una mujer (por muchos superpoderes que se les atribuyeran) pudiera defender o proteger al mundo… Mucho menos luchar contra los villanos…

Hay que esperar hasta 1940 para que apareciera Fantomah, obra de Fletcher Hanks (quien murió congelado bajo un puente en 1976). Y fue a finales de 1941 que nació la Mujer Maravilla. Creada por William Moulton Marston. En la foto: Lynda Carter como la inolvidable Wonder Woman

William Moulton Marston conocido también bajo el seudónimo de Charles Moulton, fue psicólogo, teórico, inventor y autor de Wonder Woman, mantuvo una relación, viviendo simultáneamente, con las también psicólogas Elizabeth Holloway Marston y Olive Byrneambas (con quienes engendró varios hijos) y sirvieron como influencia para la creación del personaje.


En el cine de animación destaca:

La innovación de Walt Disney fue realmente en muchos ámbitos y traspasa a la misma industria en que se ha convertido. En enero de 1920 fue despedido de Pesmen-Rubin Commercial Art Studio. Luego intenta, sin éxito, abrir un estudio propio. Termina ingresando en Kansas City Film Ad Company en donde se interesa por la animación.

En mayo de 1921 creó la Laugh-O-Gram Studio y allí empezó la aventura que lo llevó a Blancanieves y los siete enanos, primer largometraje de animación (sonoro y en color). Un gran éxito de taquilla. En la foto: Walt Disney y Mickey Mouse.

En el art decó

Szukalski, se planteó la necesidad de encontrar los elementos comunes en todos los humanos y que nos unifican. Mezcló en sus obras la grandiosidad de los antiguos elementos mexicanos, indio-americano con la historia pagana o precristiana de Polonia. Algo original y visualmente potente. En el momento en que él lo plantea (años veinte) era impensable y aún hoy en día es, por lo menos, audaz.

Un artista controvertido, olvidado y recuperado por Netflix en su documental Struggle: The Life and Lost Art of Szukalski (2018) . Perdió toda su obra en el asedio de Varsovia por el ejército alemán (1939) En la foto: Ireland (Predators Make Empires)


Pudiera mencionar a otros representantes del art déco, pintores, escultores, escritores y afines … cada uno con su historia de altibajos aunque firmes en su postura, pero esto sería muy largo así que solo me queda decir, que la propuesta del artista es su visión del mundo y que éste, por lo general y con independencia de la calidad de su trabajo, está en la cuerda floja. Que luego de una larga carrera, puede terminar sembrando patatas en el patio de su casa, o tal vez no. Que el trabajo trascienda o no dependerá de cómo haya girado la rueda la Diosa de la Fortuna y de cómo se gestione la crisis que corresponda a cada época.


2 comentarios sobre “En tiempo de crisis, algunos artistas se dieron a conocer

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    1. Es cierto FabidiniDC, leyendo para escribir este post encontré algunas cosas interesantes, 🤔como por ejemplo la “colaboración” de Bill Finger, el comentario de Bob Kane es irónico en verdad… 😲Sobre el Capitán América todo él es “raro”: el uso de un escudo, los colores de su traje… más Americano es Superman con el traje del color de la bandera. Claro que tenía que ser así, ya que él es un “extraterrestre” y tenía que “adaptarse” y ser “aceptado” 😓 Hasta que apareció Batman y volvió a sacar el tema de sus orígenes: es un “extraterrestre”… 😁jajajaja Gracias por pasarte y comentar 🐾

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