En la actualidad es frecuente que escuchemos llamar artista a cualquiera que, de una forma u otra, sea capaz de ejecutar algo con gracia o que sea conocido y se haga popular a través de algún medio audiovisual. En el mundo del arte, el término intérprete queda como algo ambiguo, aunque en ocasiones lo utilizamos para referirnos principalmente a los ejecutantes de las artes escénicas (cantantes, etc.) Ahora bien, si miramos hacia atrás encontramos que se llamaban artista a las personas que desarrollaban las bellas artes y el intérprete era un ejecutante, pero el tiempo pasa y aunque el fondo se mantiene igual, las formas cambian y se modifican los conceptos.

El arte

Nace de la necesidad del individuo de expresar una idea. Desde la prehistoria encontramos en imágenes, pinturas y monumentos que transmiten las ideas o creencias sobre, básicamente, dos aspectos de sus vidas: escenas relacionadas con la fertilidad en general (la tierra, la humanidad) y la sobrevivencia del grupo (escenas de cacería, recolección, monumentos). Se le atribuya a esa época lo que hoy conocemos como animismo ya que en sus trabajos buscaban representar un hecho en concreto para que este ocurriera (visualización) y también le otorgaron al mundo su propia “alma”, es decir, una vida propia. Así las montañas, ríos, cielo, tierra, rocas, plantas, árboles, etc… tenían vida propia marcadas por sus propios comportamientos y ciclos. Por esa razón el arte de esa época se considera de carácter mágico/religioso (aunque el concepto de religión aún no existía).

Con el paso del tiempo la necesidad del individuo de expresarse no varía, aunque sí los medios y nos encontramos que en las primeras civilizaciones, Egipto/Mesopotamia. El arte de esas épocas también deja constancia de sus realidades, monedas, escrituras jeroglíficas y cuneiforme… y refleja sus inquietudes como lo fueron la vida después de la vida. Como dato curioso, creo que fueron los Mesopotámicos los primeros en utilizar el arte para advertir con el Código de Hammurabi  con sus 282 leyes colocada en esculturas planas colocadas en las plazas de cada ciudad para que todo el pueblo conociera quién era el rey, cuáles eran sus leyes y los castigos para quienes las incumplieran. A pesar de que eran pocos los que sabían leer y escribir estaba a la vista de todos, de modo que nadie pudiera alegar ignorancia de la ley como pretexto para incumplirla.

Aun hoy en día el arte refleja, transmite y/o advierte para expresar lo que se defiende y lo que preocupa, también se hace arte para contar la cotidianidad. El humano toma los medios que encuentra a su alrededor y con ellos reproduce o crea las formas y figuras, los colores, sonidos, en fin los diferentes elementos y movimientos que le den forma a las ideas.

Los primeros en organizar el arte fueron los antiguos griegos que dividieron sus expresiones en dos renglones: 1.- Artes superiores que eran aquellas que se apreciaban a través de la vista, el oído y no necesitaban ser tocadas. Entre ellas estaban las arquitectura, escultura, pintura, música (incluía el teatro), declamación (incluía poesía) y la danza. 2.- Artes menores, aquellas que se aprecian a través del tacto, artesanía, textiles, orfebrería y en genera todas las que se reflejan en los objetos habituales, que tienen un uso práctico. Las llamadas artes decorativas. En la época actual se han añadido el sentido del gusto y el olfato para incluir a la gastronomía, a la perfumería como expresiones artísticas, además de la moda, peluquería, floristería, etc. etc.

Y retomando la mirada hacia atrás, encontramos que el término bellas artes se popularizó en el siglo XVII para referirse a las principales artes y al buen uso de la técnica.

Entonces podemos decir que, antes, las bellas artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música (incluía el teatro, que actualmente es parte de la literatura), declamación (incluía la poesía) y la danza. En la actualidad se conoce al cine como el séptimo arte.

Es curioso que siendo la Ópera la primera expresión artística que unificó a varias artes para lograr una sola obra coherente, aún en nuestros tiempos permanece sin destacar como una individualidad, pero el cine, que a principios del siglo XX se convirtió en una nueva e importante industria, en 1914 se le consideró como  el séptimo arte.

Algunos autores señalan como sus precursores a la ópera a la tragedia griega, otros a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV y un tercer grupo a los Intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales), pero la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy, la escribió  Dafne de Jacopo Peri 1597.

Con la fotografía y el comic, que son muy anteriores a la aparición del cine, existe diversidad de opiniones sobre el octavo y noveno arte. Algunos consideran que el octavo es la fotografía y el noveno es el comic y los videos-juegos, aunque para la mayoría, el comic y los videos-juegos son el octavo arte y la fotografía queda fuera de este renglón, pero no voy a entrar en este tema ya que eso es motivo para otra reflexión.

Declamación, elocuencia, intérprete

Recordemos que desde la antigua Grecia, la declamación estaba considerada como una de las artes superiores e incluía a la poesía. Estaba compuesta con notas sin que por ello se pudiese considerar como un canto musical, sino cierto modo de representar, leer o interpretar. Los textos para ser declamados se escribían señalando el cómo, cuándo y de qué manera se había de levantar o bajar la voz en la pronunciación de cada sílaba. La entonación de estos acentos se estudiaba al mismo tiempo que se aprendía a leer, por lo que el público estaba educado para entender las notas empleadas y podía juzgar la habilidad del declamador. Por otro lado, el declamador estudiaba actitudes y movimientos para acompañar con gracia el texto o para ejecutar ciertos bailes. Por lo general la actuación era en solitario, pero también se hacía en dúo. Mientras un declamador pronunciaba el texto, el otro lo interpretaba con movimientos.

El concepto de elocuencia también surgió en la antigua Grecia y se refiere a la capacidad que tiene un individuo para expresarse en público y persuadir al oyente. Los antiguos griegos la consideraban como la forma más elevada de la política.

Como nota aparte, comparto mi búsqueda en Google sobre el término elocuente y para mi sorpresa encuentro esto:

Lo que antiguamente se conocía como declamación y elocuencia, ahora lo podríamos considerar que está representado en el trabajo del intérprete, quien debe expresarse en público y persuadir al oyente con la intensión de convencerle de que siente y piensa de verdad lo que interpreta (un papel o un rol que cumple para materializar una idea o propuesta artística), para lograr empatía con el espectador y generar un vínculo afectivo.

El intérprete, toma la idea de otro, para explicarla, traducirla y así, otros pueden sentir, ver y escuchar la idea que contiene la propuesta general del artista, que ha plasmado según y para los formatos que conocemos dentro de las llamadas bellas artes que se mencionaban antes.

Entonces, podemos considerar que…

Bellas artes es un término que engloba a la pintura, escultura, arquitectura, música, danza, literatura, cine y para los más avanzados también se podrían incluir la fotografía, el comic y los videos-juegos.

No es mi intención señalar quién es artista y quién no, por lo que antes de hablar sobre las diferencias que existen entre estos dos términos voy a expresar algunas ideas que me permita definir cuál es el rol de cada uno.

Podríamos decir que el artista es una persona que, partiendo de una idea, desarrolla un discurso a través de su su obra y que puede o no necesitar de interpretes para hacer que ese pensamiento sea comprensible para la mayoría de los mortales y un intérprete es el que expone ante otras personas la idea del artista. Aunque aporte su singularidad a la hora de trasmitirla no transforma la idea, la esencia como tal. Con esto no quiero decir que uno sea mejor que el otro, sino que, simplemente, son diferentes.

Es interesante recordar algunas de las características de ambos. La más obvia de todas es que el artista emite, de forma personal, una opinión sobre la realidad que observa. Para ello puede utilizar diferentes medios para expresarse y esto va a depender de su propuesta, porque no podemos olvidar que un artista siempre tiene una propuesta que exponer. En cuanto al intérprete, éste expresa lo que le exige el personaje/instrumento que representa o lo que corresponda a su rol dentro del conjunto, que es la obra completa.

Por otro lado, y en términos generales, a pesar de que la obra del artista no sea reconocida durante su vida esta permanece y es posible que se valore después de su muerte. Con el intérprete no ocurre lo mismo. Su trabajo se valora, o no, en vida y aunque existan grabaciones de ellos, básicamente, sus representaciones quedan guardadas en la memoria de quien lo conoció. El recuerdo lo adorna con virtudes que los nuevos espectadores no pueden disfrutar porque, como he venido señalando, aunque el fondo permanezca igual, las formas y maneras cambian. Por lo tanto, al transcurrir el tiempo y contemplar su trabajo años más tarde, este luce descontextualizado para el nuevo público, mientras que la obra del artista (la idea) se hace más clara (o no), permite la reinterpretación y actualización, que puede ser realizada por otro intérprete o artista y en este último caso, surgiría una propuesta nueva, diferente.

Estos puntos también se podrían tomar como diferencias entre ambos; sin embargo, hay otros aspectos más simples. Para señalarlos voy a realizar un cuadro comparativo, ya que me parece práctico y fácil de visualizar.

Artista	Intérprete
Desarrolla una propuesta basada en su propio criterio	Ejecuta la propuesta que se le ofrece.
El trabajo nace de la observación y estudio de la realidad.	El trabajo nace de la observación y estudio de lo que debe expresar.
La improvisación puede existir o no. Lo establece el mismo artista, acorde con la propuesta y los resultados que desee obtener.	La improvisación está presente siempre. La desarrolla para lograr una mayor atención, según lo que debe transmitir y está acorde con lo representado.
Puede o no realizar su trabajo en solitario.	Con frecuencia su trabajo lo realiza con otras personas.
Salvo en las artes conceptuales (Happening , Performance, etc.), no necesita del público para realizar su trabajo.	Para realizar su trabajo, le es indispensable la participación de un público. Para ello amolda su interpretación a la concurrencia.
Su finalidad no es lograr que el público apruebe su trabajo.	Sin la aprobación del público, su trabajo pierde sentido.
No todo artista necesita de un intérprete que explique su obra.	Todo intérprete necesita la idea previa de un artista

Podemos concluir que…

la línea que separa al artista del intérprete es delgada, pero creo que es fácil de identificar. El artista trabaja en base a una idea que desarrolla hasta convertirla en propuesta. Expresa de forma única y personal, la visión del mundo que le rodea.

Por otro lado, el intérprete nos muestra su visión de esa realidad que desarrolló el artista, pero su manera de mostrarla es distinta. Mientras el artista lo hace para reflejar, transmitir y/o advertir sobre una realidad que nos envuelve a todos y que, según su visión, es obvia; el intérprete, aunque comparta o no esa visión del mundo, transmite esa idea a través de su representación.

Hay que aclarar que un intérprete no es una herramienta del artista. La interpretación es solo una forma de representar la idea, de ejecutarla y el ejecutante (intérprete) requiere de la técnica especifica de lo que va a realizar y sobre todo debe entender bien el propósito de la obra, del espíritu que le ha dotado el artista (que es su creador).

Es indudable que su opinión personal está implícita en su actuación y con ello le agrega un valor añadido a la obra. Ahora bien, cuando en sus interpretaciones comienza a proponer otra visión de la realidad y deja de ser un difusor de lo propuesto originalmente, entonces hace el rol de artista.

Hay interpretes que llevan su sello personal y trasforman su rol dentro de la obra hasta el punto de son una propuesta aparte o dentro de la misma obra, esto ocurre cuando en sus interpretaciones comienzan a proponer otra visión y dejan de ser un difusor de la propuesta original; entonces la idea se enriquece con esa interpretación aunque no quedará modificada para otras ejecuciones que, hasta pudieran empobrecerla si el intérprete no entiende bien la idea o no tiene la técnica para desarrollarla.

Un artista puede ser también un interprete en algún determinado trabajo, interpretando lo que pide el cliente, el público o quien le encargue el trabajo que no refleje su visión personal sino su estilo, que interpreta de la idea de otro. En este caso está en el rol del intérprete.

Es indudable que como público/espectadores y consumidores de arte necesitemos a ambos para poder acceder a la propuesta, incluso para solo pasar el tiempo y divertirnos. En una canción se puede leer la letra y entender su idea, de igual forma con la partitura de la música, pero para apreciar el conjunto es necesario que se traduzcan. La letra es interpretada por el cantante y la partitura se transforma en sonidos gracias a la participación del músico y su instrumento. Otro ejemplo son las obras escénicas, deben ser representadas e interpretadas por el director que a su vez delega en los diferentes profesionales aspectos específicos de su visión (vestuario, fotografía, etc.) y a la actuación, que le corresponde la interpretación del personaje. Sin embargo hay que distinguir la propuesta, o falta de ella, que hay detrás de cada obra para así poder apreciar los diferentes roles y tener una mejor visión de conjunto.

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Diferencias entre movimientos artísticos y conceptos que suelen confundirse

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