Como he dicho en varias de mis reflexiones, el individuo necesita dejar testimonio de su existencia. Algunos lo hacen a través de acciones sociales, otros dentro de su mundo familiar y/o trabajo y un grupo se expresa a través del arte, pero en todos ellos hay un factor común: expresan la visión propia o colectiva que tienen del mundo.

También he mencionado en reiteradas ocasiones que el Arte refleja, transmite y/o advierte, por eso en algunos casos su trabajo expresa el reflejo del hábitat (lo copia/recrea) o es la reinterpretación del entorno. En cualquier caso nos transmite un mensaje o nos advierte, con un toque imaginario, que en ocasiones está cargado de ficción (del pasado, presente o futurista) de una realidad de la cual, quizás, no nos hemos percatado.

Pero que la perspectiva humana sea el punto de partida ¿significa esto que el arte se devuelve al existencialismo? es decir, lo limita a la subjetividad del sujeto, a la reflexión sobre los motivos de la propia existencia y circunstancias (y cómo esta es asimilada) ¿El arte deja entonces de lado toda reflexión sobre lo abstracto, externo y anterior a la existencia concreta del sujeto? ideas como la belleza, la moral, los dioses.

Entonces ¿el arte es autobiográfico?

La respuesta es que no. De ser así, los autores que escriben o realizan trabajos sobre asesinatos serían asesinos, los que muestran en sus obras alimentos serían unos golosos y así se podrían enumerar un sin fin de ejemplos que sirven para mostrar que el artista no cuenta su vida personal en sus obras. A sí mismo tampoco necesitamos conocer los pormenores del quehacer diario del artista para poder apreciar su obra ya que ella habla por sí misma. Nos cuenta una historia, nos muestra una realidad independiente del sujeto que la realiza (aunque, como toda creación, tenga trocitos de su creador)

Si el arte tuviese esta especie de vuelco existencialista, que en realidad no es tal, estaría hablando sobre la libertad y la responsabilidad individual sin destellos de ideologías, nacionalismos, moral o religión, es decir sin ningún concepto abstracto. Sin embargo, el arte anecdótico y personalista que hoy se ve habla de sexualidad, género, felicidad, familia, conceptos cargados de categorías abstractas (salvo los gatos, pero esa es una adoración que merece una reflexión aparte)

El público «necesita» la certeza de que hay personas detrás de una obra

Otra cosa es la excesiva producción de contenido artístico desde la experiencia (aunque estén en tercera persona) que inundan el mercado del arte con recreaciones de la propia biografía o con la presunción de humanizar las abstracciones tales como la felicidad, el género, familia (y los gatos que, insisto son tema aparte) y llevarlas a niveles de anécdotas de conferencias de ventas, con moraleja incluida. Necesidades del arte de tener una salida comercial y que hace de la propuesta puro marketing. Lo que lleva a la ya mencionada paradoja del entretenimiento.

Al público se le da lo que el público demanda y éste demanda lo que tiene visible y a mano. Entonces surge esta tendencia a buscar la identidad del autor, sus costumbres, conocer su vida personal, para poder comprender si la obra es buena o mala, para saber si me va a gustar o no su trabajo.

Los artistas empezaron a diferenciarse y a mostrar la mano detrás de pluma, sus vidas, sus rostros, sus inspiraciones y motivaciones personales para hacer tal obra o esta otra (no sus propuestas, sino su persona como aval para su obra) Las grandes marcas no necesitan tal cosa, no tuvimos que seguir por las redes sociales a ninguno de los dibujantes, guionistas, etc. de la película Encanto (2001). Disney los agrupa a todos y funciona como un solo ente que hace marketing sobre sus productos, en este caso la película completa. La vimos y nos emocionamos sin saber qué programa y cuáles artistas hicieron cada parte, tampoco se necesitó buscar las historias personales de ellos para comprender la película. No hubo necesidad ya que la historia habló por si sola.

Los artistas que no contamos con la maquinaria comercial detrás, debemos mostrar el trabajo y además hay una exigencia no escrita de mostrar que estamos vivos, que somos reales, así se pide cierta exposición y un crear comunidad similar a la que las empresas plantean en sus estrategias. La marcas quisieron acercarse al consumidor fingiendo ser un sujeto (hay que imaginarse la marca como una persona para que interactúe y se comunique como tal) y los sujetos emulan las estrategias de las marcas. Empresas e instituciones que pretenden ser sujetos y sujetos de carne y hueso que pretenden ser sujetos reales, auténticos, es una extraña dinámica que da para otro tema.

Aquí muestra su trabajo, pero no escapa de las normas propias de las redes: selfis, historias simples, anécdotas y mucha referencia autobiográfica. Por otro lado, en las mismas redes, están los expertos que nos dicen lo que debemos o no apreciar, que ofrecen «el final explicado» de aquello que todos vimos, que reaccionan y nos dicen su valoración y clasificación. Son muy pocos los que ofrecen alguna perspectiva diferente de la obra, otras lecturas o análisis propio.

Sin embargo, concentrar en las redes el vuelco narcisista y otorgarles toda la responsabilidad es un poco simplista y lo más anti existencialista. Para un existencialista el humano es libre e independiente de toda categoría abstracta, así la libertad se ejerce desde la responsabilidad individual, las redes las manejamos las personas y somos nosotros las que hacemos o dejamos de hacer las cosas. El asunto de la anécdota como propuesta, el narcisismo social y artístico son asuntos más complejos que la herramienta de las redes y las empresas que las manejan.

Además hay que tomar en cuenta que el público, es decir el usuario, es una cara visible de la cinta, que paradójicamente se convierte en la otra cara, también visible, (se nos da lo que pedimos y pedimos lo que nos da) y así esta especie de cinta de Moebius se mueve y avanza.

Si se observa con detenimiento también parece que retrocede, ya no al existencialismo (que inicia en el siglo XIX y alcanza su apogeo en la segunda mitad del siglo XX) sino a una especie de pre- Ilustración (siglo XVIII, hasta los primeros años del siglo XIX) en donde el sujeto estaba en una especie de infancia mental, incapacitado para usar la propia razón sin la guía de otra persona. «Esta puericia es culpable cuando su causa no es la falta de inteligencia, sino la falta de decisión o de valor para pensar sin ayuda ajena» de esta manera Kant invitaba al abandono de semejante estado, de la necesidad del mentor.

Duras palabras que pueden servir para explicar la excesiva necesidad de un guía que nos lleve de la mano o de un apetito insaciable por buscar auto-referencias. En términos de hoy, si se me permite el paralelismo, la necesidad de verse reflejado en un tipo concreto de arte, de sentirse representado por otro. De buscar en su biografía la propia.

El arte como expresión

El arte es una expresión, que me atrevo a decir primaria, del humano y espero que continúe así. No necesita de anécdotas personales ni de un tercero para que exista. De lo contrario estamos en presencia de trabajos tan personales que no se podrían catalogar como arte, son obras (buenas o malas, este no es el problema) que narran la experiencia de alguien, pero que por lo general no traspasa el tiempo. Tampoco se podrían catalogar como costumbristas porque el costumbrismo es una tendencia o movimiento artístico que refleja los usos y costumbres de la sociedad, referidos a una región o país en concreto y al conjunto de su folclore tradicional.

Como reflejo de la época es inevitable que se llenen las librerías, físicas y virtuales, las redes y las plataformas de videos con esta coexistencia entre industria que se personaliza y personas que se institucionalizan. Es interesante el arte como objeto de consumo (libros escritos a base de palabras claves, dibujos que emulan a los de las grandes estudios, etc.)

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